Perfiles

Entrevista a Jorge Font, o del arte hablado en plata. (Reedición)

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Además de una gran persona, Jorge Font es un artista galardonado en la Bienal d’Avignon en 1983. Su obra fue expuesta en importantes galerías en Europa vía La Maison des Arts.

 

Conocí a Jorge Font en la Galería ArtMallorca de Palma, con motivo de su exposición.

De hecho, nada más llegar y saludar, algunos visitantes me confundieron y por un momento me sentí agasajado. Se me abrió un pasillo. Un honesto:»gracias, pero creo que el artista expositor, Jorge Font,  es aquel señor de allí arriba». Súbitamente, el pasillo se cerró y tuve que esperar un poco. El título de la exposición me interesaba con motivo del impacto de los colores en sus temas. En este caso era la aplicación de colores vivos que representaban emociones sobre el paisaje. Rojo y azul, algún amarillo. No cabe duda de que en el interior de esa persona hay una fuerte remoción que le moviliza. La vida son grandes planchas compactas y algún resquicio de luz y esperanza. La persistencia de Jorge ha sabido negociar esas pequeñas brechas. Ha desafiado al reto desmoralizador de la soledad del corredor de fondo hasta convertirla en un compañero de trabajo. Ha doblegado a las no pocas adversidades que ha tenido que superar hasta que llegó su gran momento. Porque se encontró con él y le ha compensado para siempre. Y aun así, incansable, sigue creando porque para él, ese misterioso y nunca rutinario encuentro es un momento privado tan esencial, como lo es el acto de respirar.

Jorge Font me impresionó ciertamente por su seriedad, por lo decidido de su mirada y sus silencios escrutadores.

Es la conducta lógica y razonable de aquel a quien la experiencia le ha enseñado a ver venir a la gente. Cuando el acto terminó, Doña Francisca Llabrés, Directora de la Galería nos presentó. Tras posicionar mi actividad en el mapa conceptual de Jorge, se sintió interesado por la propuesta de una entrevista no mecanizada. Algo personal, sin condicionamientos de espacio y con total libertad. Sin preguntas tipo.

Este escrito o review personal, fue basado en dos encuentros.

Uno, fresco y a medio abierto, narrándome su historia y vivencias. Un coloquio que duró más de tres horas que transcurrieron como un rayo y un segundo momento concentrado y laxo. El de conciliarse con ese otro lienzo sobre luz blanca en que uno tira líneas y da forma a su memoria, a sus experiencias, así como a mensajes atrevidos y muy reveladores. De otro modo dudo que hubiera tenido interés en hacerle la propuesta. Eso fue así porque Jorge es auténtico, arriesgado y poco condescendiente con el arte de la impostura.

Sin más preámbulos y extensamente agradecido a Mr Jorge Font, os dejo con la entrevista.

¿A qué edad se inicia el proceso y cómo se manifestó?

De muy pequeño me encantaba ver a mi padre dibujar. Me inventaba trabajos escolares de dibujo o
manualidades para que él me ayudara a hacerlos. Hasta que se dió cuenta y decidió apuntarme a clases de dibujo. No duró mucho, los estudios los llevaba fatal y necesitaba más tiempo. Pero nunca me aparté del dibujo.

¿Es la inspiración verdadera algo que surge como de la nada,  por el contrario, siempre en proceso?

Siempre tienes que estar receptivo. La inspiración te puede venir en cualquier momento pero para
aprovecharse al 100% de ella te tiene que encontrar trabajando. No hay otra forma. La inspiración es
como un “don” temporal que recibes de los Dioses en un momento determinado y hay que aprovecharlo.

Algunos llamados artistas modernos tienen como único fin considerar arte aquello que no tan sólo se expone sino que se orienta a la creación de un efecto para la venta. ¿Es cierto que en arte todo vale?

En el arte NO vale todo. El arte se basa en la creatividad. El creativo tiene que realizar su obra y
disfrutar o sufrir en cada uno de los momentos que dure la creatividad. No es simplemente tener una
idea y mandarla hacer o comprar algún objeto y exponerlo acompañándolo de una guía explicando su
sentimiento, pensamiento como libro de instrucciones para entender la obra. Hay que esforzarse un poco más y disfrutar con la creatividad y menos falso artista que hoy abunda mucho. Aprende a crear y disfruta de ello, sea con los materiales que sean.

¿Qué entendemos por quemar un cuadro?

En mi caso es tal como es: prenderle fuego. Obras que después de intentarlo varias veces ha sido
imposible realizar y otras que con el paso del tiempo han dejado de gustarme. No todo lo que se hace es bueno o se deja crear (hay obras imposibles de realizar) en esta lucha entre el creativo y la obra, muchas veces gana la obra que no se deja y en estos casos cuando ves que es imposible, una buena quema va fantástico.

¿Qué perspectiva tienen las galerías hoy en día? ¿Y qué podemos entender propiamente
por una galería? Parece un término confuso. En nuestra conversación introductoria me
gustó como lo describió. ¿Podrías hacerlo para mis lectores?

Hoy en día una galería de arte de las que ellos se creen profesionales es como un club privado de difícil acceso y mucho más cuando tienes una cierta edad sin estar reconocido. Las galerías deberían dar más oportunidades a los artistas tanto jóvenes como mayores, estudiando su obra y exigiendo unos mínimos de calidad. Esto hoy no existe. Prefieren exponer obra de jóvenes y ahí todo vale. Da igual la calidad, no importa. Por otro lado hay otras galerías que exponen cualquier cosa y del que sea sin ningún filtro con tal de pasar por caja.

¿Dedicas un tiempo estandarizado a cada obra, o depende de la intensidad emocional y de como surge el tema?

Cuando estás creando no se puede ni debe mirar el tiempo. En este caso la que manda es la misma obra, ella va marcando los tiempos. A veces te lo pone difícil y dura mucho y otras es más fácil.

Eres un todoterreno. Has trabajado muchas disciplinas de arte a lo largo de 50 años de carrera. ¿Cuál te profesa un especial cariño?

La pintura. Revindico el ser pintor. Sigue siendo la disciplina más interesante aunque ahora no esté de
moda. La pintura te exige dedicación y pasión en cada una de las obras y te obliga a investigar e innovar.

¿Qué es una rasgadura?

Es la acción que yo ejerzo sobre la obra, rasgar, rascar, lijar. En las últimas obras un poco menos, me
gusta trabajar la base de la obra y crear una textura. También puede ser rasgar o romper esta obra que
después de varios intentos no se deja trabajar y es el paso previo a la quema.

¿Sobre qué materiales trabajas?

Sobre tabla es la mejor opción. Por mi forma de trabajar necesito una superficie rígida y dura ya que
realizo presión para fundir los acrílicos con espátulas, trapos, manos y algo de pincel.

¿Por qué la predominancia del rojo?

El color rojo es pasión, adrenalina, optimismo. Me encantan todos los colores pero los rojos son los que más me atraen y creo que de forma directa me da vida, la necesito.

¿Cuál es la base que inspira la exposición “La esencia del color en el paisaje”?

Yo pinto paisajes, la esencia del color en el paisaje. Pinto la masa de color y quito lo que sobra que es la figura.

Unos inicios duros, ¿Verdad? ¿Cómo era el proceso en aquellos tiempos en que el artista debía moverse mucho para posicionar su obra?

En mi caso fue muy duro, por mi carácter tímido e introvertido. Iba a visitar las exposiciones que ofrecían las galerías varias veces para que poco a poco me fueran conociendo aunque solo sea de vista de verme por ahí. Cuando lo veía oportuno iba con el álbum de fotos y les enseñaba mi obra. Siempre la misma respuesta, “la obra es buena sigue trabajando y nos iremos viendo” pasado el tiempo de unos meses intentaba insistir en participar en alguna colectiva, alguna galería me pedían un par de obras para tener en depósito y otras me daban largas. Fueron tiempos difíciles por la falta de oportunidad y de confianza. Yo estaba convencido que mi obra superaba los mínimos de calidad para ser expuesta, pero no tenía suerte. Por mi forma de ser me costaba mucho ir a la galería a ofrecer mi obra.

¿Cuánto podría tardar una galería en confirmar una participación?

Si la galería tiene interés en la obra hay un acuerdo rápido. Otra cosa es buscar fecha para realizarla.
Como mínimo se espera un año, dependiendo de la agenda de la galería.

Llega el gran momento. La Maison des arts ¿Puedes contarnos como ocurrió?

La Maison des arts era un centro de información y coordinación artística. La central estaba en Paris y en Barcelona tenían una delegación. Después de la falta de oportunidad, interés y mala suerte que tenía con las galerías y certámenes de pintura en mi tierra (Mallorca), tome la decisión de mirar fuera. Al certamen de pintura Ciudad de Palma me había presentado 6 veces y ninguna de ellas fue seleccionada la obra. Les comenté a unos amigos que si en la próxima edición la obra no es seleccionada, la presentaría a un certamen fuera de España. Me puse en contacto con la Maison des arts de Barcelona, explicando mi caso y pidiendo consejo. La obra nuevamente no fue seleccionada en el certamen Ciudad de Palma y con la ayuda de este centro de arte presente la misma obra a la Bienal D’Avignon 1983 con la gran sorpresa de obtener una mención especial (con la misma obra rechazada en palma). A partir de este momento La Maison des arts me ayudó a presentar mi obra en diferentes puntos de Europa. Es una pena que en tu propia tierra no te den oportunidades.

¿Es el arte un proceso parcial o total? ¿Caben intermediarios en el concepto de elaboración de una obra, o es algo que uno debe iniciar y terminar solo?

Desde mi punto de vista el proceso en el arte siempre tiene que ser total, aunque cada obra se divida en diferentes partes. En la pintura no debe haber intermediarios o ayudante en su elaboración, lo inicia y termina el creativo. Es prácticamente imposible explicar a un ayudante tus sentimientos y como lo quieres expresar. En el proceso de una pintura abstracta, la misma obra tiene algo que decir, a medida que se pinta se crean nuevas formas, manchas o sombras dependiendo de la evolución de esta y de su textura. La abstracción no es un tema matemático que se empieza y termina como uno quiere, por lo tanto lo tiene que realizar uno mismo. En las grandes obras, escultóricas si que deben estar los ayudantes y otro tipo de profesionales pero el creativo siempre tiene que estar ahí presente en la elaboración de la obra y supervisarla.

¿Una anécdota de arte moderno sobre la visita a una galería y sus obras?

Habido casos en los que he entrado en una galería y en breves segundos he vuelto a salir pensando que estaba en obras. Es normal cuando ves hierros tirados por el suelo, cables que salen del techo, chatarra amontonada y algo de escombros. Pues estaba equivocado, era una exposición. Por esta misma razón un centro de reciclaje o de chatarra…¿podría ser un museo? No vale todo en el arte, hay que ser más exigentes.

¿Hay una relación entre tu faceta artística y tu dedicación profesional?

La creatividad era la unión entre ambas. Viendo que mi ilusión artística se fue a la mierda, gracias a
otros, me vi obligado a buscar otro camino. Entré a trabajar de ayudante de decoración en un centro
comercial muy conocido. En dos años me nombraros jefe de decoración. El trabajo fue apasionante y lleno de creatividad, sin darme cuenta pasaron los años pero nunca deje de pensar en mi faceta artística, pintaba cuando podía pero la creatividad era magnífica en el trabajo.

¿Qué exposiciones destacarías a lo largo de tu carrera, aparte de la Mención especial?

La mejor exposición de mi vida artística la tengo que hacer en mi isla, Mallorca (si me dejan hacerla). De lo ya realizado me quedaría con la exposición en Europalia’85 en Bruselas. Fue un orgullo poder exponer cerca de los más grandes artistas de España de aquella época.

Tú que eres asiduo visitante de centros artísticos ¿Qué les ocurre hoy en día a muchas
galerías?

Les falta sentido común, amor por el arte y sinceridad consigo mismo. Exponen lo que está de moda, siendo conscientes que no les gusta y que posiblemente no sea arte. Cueste lo que cueste quieren estar a la moda, por el que dirán sin saber lo que hacen. Faltan verdaderos profesionales que amen el arte y la creatividad y sobran fantasmas. En el arte no vale todo, hay que ser muy exigente con lo que se expone.

¿Qué ocurre cuando el arte se politiza?

El arte nunca se tiene que politizar, cuando sucede se corrompe y no es sincero. La mejor forma de crear es siendo libre sin ataduras y sincero consigo mismo. Nunca se tiene que mezclar con la política.

¿Alguna exposición de Jorge Font nueva a la vista?

En el pasado 2018, concretamente en mayo mi obra estuvo expuesta en la Galería Art Mallorca y en septiembre en el Centro Cultural de Marratxí. Ahora trabajando sin cesar.

¿Es cierto que cuando nos inspiramos la noción del tiempo es relativa?

Cuando estás trabajando y te llega la inspiración se tiene que aprovechar, el tiempo pasará sin darte
cuenta. Hay que aprovechar este gran momento divino de magia sin prisas y disfrutando de él.

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